YVES SAINT LAURENT Diálogo con el arte

J’ai de tout temps été passioné par la peinture, il était donc natural qu’elle inspire mes créations. Je ne les ai pas copiés –qui pourrait s’aventurer à le faire?- , j’ai voulu tisser des liens entre la peinture et le vêtenement, persuadé qu’un peintre est tujours de notre époque et peut accompagner la vie de chacun.
Ives Saint Laurent

El modisto que ha sabido sacar mayor partido al arte como fuente de inspiración es Ives Saint Laurent (1936). Junto con su amigo y compañero en la vida y la aventura creativa, Pierre Bergé, han sido coleccionistas de altos vuelos. Apasionados y exigentes conocedores, han acumulado con un ojo y un criterio infalibles muebles, objetos y cuadros de pintores como Goya, Balla, Picaso, Léger, Braque, Matisse o Warhol. De todos ellos ha sabido de una manera respetuosa, natural e inteligente, tomar ideas para motivos o formas que marcarán, a lo largo de una vasta y riquísima carrera, muchas de sus creaciones.

La pintura me había apasionado desde siempre, y por lo tanto era natural que inspirase mis creaciones. Los 47 modelos expuestos son homenajes rendidos a los pintores que ejercieron en mí una mayor influencia. No los he copiado -¿quién podría aventurarse a hacerlo?-: he querido tejer vínculos entre la pintura y la ropa, convencido de que un pintor es siempre de nuestra época y puede acompañar la vida de todos. También creo que África contiene tesoros de creación y de imaginación, y trabajar sobre su cultura me ha apasionado y enriquecido. Me gustan otros pintores, pero los que he elegido eran cercanos a mi trabajo, por eso recurrí a ellos. Mondrian, por supuesto, que fue el primero al que osé acercarme en 1965, y cuyo rigor no podía sino seducirme, y también Matisse, Braque, Picasso y Léger. ¿Cómo habría podido resistirme al pop-art, que fue la expresión de mi juventud? ¿A Jasper Johns, Lichtenstein, Rauschenberg y a mi querido Andy Warhol? ¿Y cómo habría podido no acudir a Van Gogh, sus iris, sus girasoles, sus maravillosos colores? ¿Cómo, en otro orden de ideas, no habría vestido de muselina los dos moldeados de Clause Lalanne?
Quiero que esta exposición lleve al visitante por las orillas de la creación, y que comparta conmigo las emociones que he experimentado durante toda mi vida, y que se reflejan de eco en eco en mi trabajo. ¿Obras cruzadas? Por qué no, aunque la partida me parece muy desigual. Está claro que mi objetivo no era medirme con los maestros, como mucho acercarme a ellos y sacar frutos de su genio.
Yves Saint Laurent


El arte africano, Lalanne, Poliakoff, Mondrian, Matisse y el Fauvismo, Bonnard, Van Gogh, Andy Warhol y el Pop-Art, Tom Wesselmann, la España de Goya, Picasso, Braque, Léger… de la mano de Yves Saint Laurent.

Una exposición realmente sorprendente. Arte y moda, moda y arte, una perfecta combinación.


Del 12 de febrero al 29 de abril de 2008
Fundación CaixaGalicia de A Coruña.
Horario:
De lunes a viernes, de 12 a 14h y de 16 a 21h
Sábados, domingos y festivos de 12 a 21h

Imagen:

derecha: Piet Mondrian. (1872-1944). Composición con rojo, amarillo y azul. 1921. Óleo sobre lienzo. (76 x 52.4 cm). Tate Gallery, Londres.

izquiera: Yves Saint Laurent. Vestido otoño/invierno 1965–1966. París.

YVES SAINT LAURENT

El Friso de Beethoven, GUSTAV KLIMT (1902)

El Friso es una gran composición articulada en una serie de episodios simbólicos sobre la salvación de la humanidad a través del arte –la estética profesada por los secesionistas- hasta culminar en la alegría y felicidad más puras: el Coro de los ángeles del Paraíso. Para el Friso, Klimt se inspiró en la interpretación de la Novena Sinfonía que hizo Richard Wagner en 1846 y en la letra del Himno a la alegría de Schiller, al que Beethoven puso música en el coro que cierra la obra.

Artes plásticas, música y poesía se funden en el Friso de Beethoven, obra primordial de Gustav Klimt y del Art Nouveau europeo. Fue creado para la XIV Exposición de la Secession vienesa de 1902, organizada en torno a la estatua de Beethoven esculpida por Max Klinger. La muestra se concibió como “un lugar sagrado, una especie de templo para un hombre convertido en un dios”.La exposición se inauguró con la interpretación, ante la estatua, por un pequeño grupo de instrumentistas de viento, de un arreglo –realizado y dirigido por Gustav Mahler- de la Novena Sinfonía de Beethoven. Este acto atrajo enormemente el interés del público e hizo que la exposición fuera una de las más visitadas de las organizadas por la Secession. Para esta exposición pintó Gustav Klimt el Friso, que estuvo rodeado de fuertes polémicas, llegando a ser acusado de reflejar “alucinaciones y obsesiones” y “caricaturas impúdicas de la noble figura humana”.

El anhelo de felicidad (las figuras suspendidas). Los sufrimientos de la débil Humanidad (la niña de pie y la pareja arrodillada). Las súplicas de la Humanidad al fuerte y bien armado (el caballero), la compasión y la ambición como fuerzas internas de los impulsos (las figuras femeninas detrás de él), que le mueven a luchar por conseguir la felicidad.Las fuerzas enemigas. El gigante Tifeo, contra el que incluso los dioses lucharon en vano (el monstruo que se asemeja a un simio); sus hijas, las tres Gorgonas (a su izquierda). La Enfermedad, la locura, la Muerte (las cabezas como de muñecos y la anciana tras ellas). La Lujuria, la Impudicia, la Desmesura (las tres figuras femeninas de la derecha junto al monstruo). La pena aguda (la que se encuentra en cuclillas). Las ansias y los deseos de los hombres, que se alejan volando por encima.El anhelo de felicidad encuentra reposo en la poesía (las figuras suspendidas se encuentran con una mujer que toca la cítara). Las artes (las cinco figuras de mujeres dispuestas una sobre otra, algunas de las cuales señalan al coro de ángeles que canta y toca) nos conducen al reino ideal, el único en el que podemos encontrar alegría pura, felicidad pura, amor puro. Coro de los ángeles del Paraíso. ‘Alegría, hermosa chispa de los dioses’. ‘Este beso para el mundo entero’.En sus esfuerzos por conseguir la renovación del arte, Klimt está a la búsqueda de una verdad nueva: la verdad del hombre moderno. Y en ese intento, Gustav Klimt empieza a desvelar la vida de los instintos, y especialmente el mundo del Eros. En el Friso de Beethoven son los órganos sexuales masculinos y femeninos los que comparecen tras las figuras de “Las fuerzas enemigas”. Por la posición que ocupan en el Friso –en compañía de “Las fuerzas enemigas”– trasladan claramente –consciente o inconscientemente– el ámbito de la culpa hasta el campo de lo sexual. Al mismo tiempo, el plan del Friso está inmerso en una tradición que se remonta hasta los programas ornamentísticos del barroco: se trata, también en él, de la superación del mal y de las fuerzas hostiles al hombre mediante el bien.Por todo ello, el Friso de Beethoven pasa a ser en una de las obras centrales de la nueva evolución artística de Klimt. El artista se afana en él por buscar una renovación del lenguaje pictórico, en la que el contenido espiritual nos sea presentado a través de la ornamentación. El Friso de Beethoven constituye toda una declaración sobre el arte como una fuerza con poder frente a lo siniestro y a las fuerzas enemigas de la vida, y, a la vez, como un refugio de la dura realidad de la vida.La mujer es la figura verdaderamente dominante del Friso de Beethoven, porque sólo la mujer está en estrecha unión con la armonía del mundo. Sólo si feminiza su sensibilidad, si sucumbe al abrazo del “eterno femenino”, puede el varón aspirar al cumplimiento de sus anhelos.La destrucción creadora de Gustav Klimt... La lucha por la libertad del arte...


Gustav Klimt, Beethovenfries,1902.
Friso de Beethoven.Materiales: Caseína, revestimentos de estuco y oro, aplicaciones de materiales diversos.
Pared lateral izquierda: 217 x 1400 cms.;
Pared central: 217 x 639 cms.;
Pared derecha: 217 x 1403 cms.
Österreichische Galerie Belvedere, Viena

Los secretos del arte

El arte es una forma de comunicación, de lenguaje, de expresión, que facilita el entendimiento de muchos acontecimientos históricos o el estudio de diferentes etapas de la Historia, un material visual que abre la mente y nos lleva a otros mundos, a otras épocas, en un viaje que difícilmente caerá en el olvido. Paseamos por Versalles de la mano de Luis XIV; visitamos la Roma de Miguel Ángel y Bernini; descubrimos los desastre producidos por la guerra, gracias Goya; Monet nos muestra su impresión del amanecer francés; y Velázquez hace que seamos partícipes de las hazañas de la monarquía española.

En este espacio comenzaremos ese viaje por el fascinante mundo del arte. Curiosidades, historias, secretos... que espero que despierten vuestra sensibilidad hacia este tema.